Leonardo da Vinci, artista, ingeniero y científico italiano


Leonardo da Vinci: vida y obras. Leonardo da Vinci (nacido el 15 de abril de 1452, Anchiano, cerca de Vinci, República de Florencia [Italia] -dice el 2 de mayo de 1519, Cloux [ahora Clos-Lucé], Francia), fue un pintor, dibujante, escultor, arquitecto e ingeniero cuyo genio, tal vez más que el de cualquier otra figura, simbolizaba el ideal humanista del Renacimiento. Su Última Cena (1495-98) y Mona Lisa (C. 1503-19) están entre las pinturas más populares e influyentes del Renacimiento. Sus cuadernos revelan un espíritu de investigación científica y una inventiva mecánica que fueron siglos por delante de su tiempo.

La fama única que Leonardo disfrutó en su vida y que, filtrada por la crítica histórica, ha permanecido hasta hoy en día, descansa en gran medida en su deseo ilimitado de conocimiento, que guió todo su pensamiento y comportamiento. Un artista por la disposición y la dotación, consideró sus ojos para ser su avenida principal al conocimiento; a Leonardo, la vista era el sentido más elevado del hombre porque solo él transmitió los hechos de la experiencia inmediatamente, correctamente y con certeza.

Por lo tanto, cada fenómeno percibido se convirtió en un objeto de conocimiento, y saper vedere ("saber ver") se convirtió en el gran tema de sus estudios. Aplicó su creatividad a todos los ámbitos en los que se utiliza la representación gráfica: fue pintor, escultor, arquitecto e ingeniero. Pero fue incluso más allá de eso. Utilizó su magnífico intelecto, poderes inusuales de observación y dominio del arte del dibujo para estudiar la naturaleza misma, una línea de investigación que permitió que su doble búsqueda del arte y la ciencia floreciera.

Autorretrato de Leonardo da Vinci, dibujo de tiza, 1512

Autorretrato de Leonardo da Vinci, dibujo de tiza, 1512; en el Palazzo Reale, Turín, Italia.

Vida y obras


Primer período: Florencia


Los padres de Leonardo eran solteros en el momento de su nacimiento. Su padre, Ser Piero, era notario y patrón florentino, y su madre, Caterina, era una joven campesina que poco después se casó con un artesano. Leonardo creció en la familia de su padre, donde fue tratado como un hijo "legítimo" y recibió la educación elemental habitual de ese día: lectura, escritura y aritmética. Leonardo no estudió seriamente el latín, el lenguaje clave del aprendizaje tradicional, hasta mucho más tarde, cuando adquirió un conocimiento práctico de él por su cuenta. Tampoco se aplicó a la matemática superior-geometría avanzada y aritmética- hasta los 30 años, cuando comenzó a estudiarlo con tenacidad diligente.

Las inclinaciones artísticas de Leonardo deben haber aparecido temprano. Cuando tenía unos 15 años, su padre, que gozaba de una gran reputación en la comunidad de Florencia, lo contrató al artista Andrea del Verrocchio. En el renombrado taller de Verrocchio, Leonardo recibió una formación multifacética que incluyó la pintura y la escultura, así como las artes técnico-mecánicas. También trabajó en el taller de al lado del artista Antonio Pollaiuolo. En 1472 Leonardo fue aceptado en el gremio de pintores de Florencia, pero permaneció en el taller de su maestro durante cinco años más, después de lo cual trabajó de forma independiente en Florencia hasta 1481. Hay muchos dibujos de pluma y lápiz existentes magníficos de este período , incluyendo muchos bocetos técnicos -por ejemplo, bombas, armas militares, aparatos mecánicos- que demuestran el interés de Leonardo y el conocimiento de las cuestiones técnicas incluso al comienzo de su carrera.

Primer período milanés (1482-99)


En 1482 Leonardo se trasladó a Milán para trabajar al servicio del duque de la ciudad -un paso sorprendente cuando se da cuenta de que el artista de 30 años acababa de recibir sus primeras comisiones sustanciales de su ciudad natal de Florencia: el panel inacabado La Adoración de los Reyes Magos para el monasterio de San Donato a Scopeto y un altar de la Capilla de San Bernardo en el Palazzo della Signoria, que nunca se inició. Que renunció a ambos proyectos parece indicar que tenía razones más profundas para abandonar Florencia. Es posible que el sofisticado espíritu del neoplatonismo prevaleciente en la Florencia de los Médicis fuera en contra de la mentalidad orientada a la experiencia de Leonardo y que la atmósfera más estricta y académica de Milán le atrajera. Además, sin duda fue atraído por la brillante corte del Duque Ludovico Sforza y ​​por los proyectos significativos que le esperaban allí.

Leonardo pasó 17 años en Milán, hasta la caída de Ludovico del poder en 1499. Fue incluido en el registro de la casa real como pictor et ingeniarius ducalis ("pintor e ingeniero del duque"). La personalidad graciosa pero reservada de Leonardo y su elegante porte fueron bien recibidas en los círculos de la corte. Muy estimado, se mantenía constantemente ocupado como pintor y escultor y como diseñador de festivales de la corte. También fue consultado frecuentemente como asesor técnico en los campos de la arquitectura, fortificaciones y asuntos militares, y sirvió como ingeniero hidráulico y mecánico. Como lo haría a lo largo de su vida, Leonardo estableció metas ilimitadas para sí mismo; si uno traza los contornos de su obra para este período, o para su vida como un todo, uno está tentado a llamarla grandiosa "sinfonía inacabada".

Como pintor, Leonardo completó seis obras en los 17 años en Milán. (De acuerdo con fuentes contemporáneas, Leonardo fue encargado de crear otras tres fotografías, pero estas obras han desaparecido o nunca se han hecho). De 1483 a 1486, trabajó en el altar pintando La Virgen de las Rocas, un proyecto que llevó a 10 años de litigio entre la Confraternidad de la Inmaculada Concepción, que lo encargó, y Leonardo; por razones de incertidumbre, esta disputa legal llevó a Leonardo a crear otra versión de la obra en alrededor de 1508. Durante este primer período milanés también hizo una de sus obras más famosas, la pintura mural monumental La Última Cena (1495-98) en el refectorio del monasterio de Santa Maria delle Grazie (para más análisis de esta obra, véase más adelante La Última Cena). También destaca la pintura decorativa del techo (1498) que hizo para la Sala delle Asse en el Castello Sforzesco de Milán.

Durante este período Leonardo trabajó en un grandioso proyecto escultórico que parece haber sido la verdadera razón por la que fue invitado a Milán: una monumental estatua ecuestre en bronce que se erigirá en honor de Francesco Sforza, el fundador de la dinastía Sforza. Leonardo dedicó 12 años -con interrupciones- a esta tarea. En 1493 el modelo de arcilla del caballo fue puesto en exhibición pública con ocasión del matrimonio del emperador Maximiliano con Bianca María Sforza, y se hicieron preparativos para lanzar la figura colosal, que tendría una altura de 16 pies (5 metros). Pero, debido al peligro inminente de la guerra, el metal, listo para ser vertido, se utilizó para hacer cañones en su lugar, haciendo que el proyecto se detuviera. La caída de Ludovico en 1499 selló el destino de esta empresa abortiva, que quizás fue el concepto más grandioso de un monumento en el siglo XV. La guerra que siguió dejó el modelo de arcilla un montón de ruinas.

Como maestro artista, Leonardo mantuvo un extenso taller en Milán, empleando aprendices y estudiantes. Entre los alumnos de Leonardo en esta época estaban Giovanni Antonio Boltraffio, Ambrogio de Predis, Bernardino de Conti, Francesco Napoletano, Andrea Solari, Marco d'Oggiono y Salai. El papel de la mayoría de estos asociados no está claro, lo que lleva a la cuestión de las llamadas obras apócrifas de Leonardo, en las que el maestro colaboró con sus ayudantes. Los eruditos han sido incapaces de ponerse de acuerdo en sus atribuciones de estas obras.

Segundo período florentino (1500-08)


En diciembre de 1499 o, a más tardar, en enero de 1500-poco después de la entrada victoriosa de los franceses en Milán-Leonardo salió de esa ciudad en compañía del matemático Lucas Pacioli. Después de visitar Mantua en febrero de 1500, en marzo se dirigió a Venecia, donde el Signoria (consejo de gobierno) buscó su consejo sobre cómo evitar una amenazada incursión turca en Friuli. Leonardo recomendó que se prepararan para inundar la región amenazada. De Venecia regresó a Florencia, donde, después de una larga ausencia, fue recibido con aclamación y honrado como un hijo nativo de renombre. En ese mismo año fue nombrado experto arquitectónico en un comité investigando los daños a la fundación y estructura de la iglesia de San Francesco al Monte. Un invitado de la Orden de los Servitas en el claustro de la Santissima Annunziata, Leonardo parece haber estado concentrándose más en los estudios matemáticos que en la pintura, o así Isabella d'Este, que en vano buscó obtener una pintura hecha por él, fue informada por Fra Pedro Nuvolaria, su representante en Florencia.

Quizás debido a su apetito omnívoro por la vida, Leonardo dejó Florencia en el verano de 1502 para ingresar al servicio de Cesare Borgia como "arquitecto militar mayor e ingeniero general". Borgia, el notorio hijo del Papa Alejandro VI, tenía como comandante en jefe del ejército papal, buscó con una crueldad sin precedentes para obtener el control de los Estados Pontificios de Romagna y las Marcas. Cuando se alistó con los servicios de Leonardo, estaba en la cima de su poder y, a los 27 años, era sin duda la persona más atractiva y temida de su tiempo. Leonardo, el doble de su edad, debió de estar fascinado por su personalidad. Durante 10 meses, Leonardo viajó por los territorios de los condottieros y los examinó. En el curso de su actividad, bosquejó algunos de los planos de la ciudad y mapas topográficos, creando ejemplos tempranos de aspectos de la cartografía moderna. En la corte de Cesare Borgia, Leonardo también se reunió con Niccolò Machiavelli, quien fue temporalmente colocado allí como observador político de la ciudad de Florencia.

En la primavera de 1503, Leonardo regresó a Florencia para hacer una encuesta experta de un proyecto que intentaba desviar el río Arno por detrás de Pisa para que la ciudad, entonces sitiada por los florentinos, estuviera privada de acceso al mar. El plan resultó impracticable, pero la actividad de Leonardo lo llevó a considerar un plan, primero avanzado en el siglo XIII, de construir un gran canal que pasaría por alto el incalificable tramo del Arno y conectaría Florencia con el agua. Leonardo desarrolló sus ideas en una serie de estudios; utilizando sus propias vistas panorámicas de la ribera, que pueden ser vistos como bocetos paisajísticos de gran encanto artístico, y usando las medidas exactas del terreno, él produjo un mapa en el cual la ruta del canal (con su paso a través del paso de montaña de Serravalle ) fue mostrado. El proyecto, considerado una y otra vez en siglos posteriores, nunca fue llevado a cabo, pero siglos más tarde la carretera expresa de Florencia al mar fue construida sobre la ruta exacta que Leonardo eligió para su canal.

También en 1503 Leonardo recibió una comisión estimada para pintar un mural para la sala de consejo en el Palazzo Vecchio de Florencia; una escena histórica de proporciones monumentales (a 23 × 56 pies [7 × 17 metros], habría sido el doble de grande que La Última Cena). Durante tres años trabajó en esta batalla de Anghiari; como su obra complementaria, la Batalla de Cascina de Miguel Ángel, quedó inacabada. Durante estos mismos años Leonardo pintó la Mona Lisa (c. 1503-19).

El segundo período florentino fue también un tiempo de estudio científico intensivo. Leonardo hizo disecciones en el hospital de Santa María Nuova y amplió su trabajo anatómico en un estudio comprensivo de la estructura y función del organismo humano. Hizo observaciones sistemáticas de la huida de aves, sobre las cuales planeó un tratado. Incluso sus estudios hidrológicos, "sobre la naturaleza y el movimiento del agua", se ensancharon en la investigación de las propiedades físicas del agua, especialmente las leyes de las corrientes, que comparó con las del aire. Estos también fueron establecidos en su propia colección de datos, contenida en el llamado Codex Hammer (anteriormente conocido como Leicester Codex, ahora en la propiedad del empresario de software Bill Gates en Seattle, Washington, EE.UU.).

Segundo período milanés (1508-13)


En mayo de 1506, Charles d'Amboise, el gobernador francés de Milán, pidió a la Signoria en Florencia si Leonardo podía viajar a Milán. La Signoria dejó ir a Leonardo, y la monumental Batalla de Anghiari permaneció inacabada. Los experimentos técnicos fallidos con pinturas parecen haber impulsado a Leonardo a dejar de trabajar en el mural; no se puede explicar de otro modo su abandono de esta gran obra. En el invierno de 1507-08 Leonardo fue a Florencia, donde ayudó al escultor Giovanni Francesco Rustici a ejecutar sus estatuas de bronce para el Baptisterio de Florencia, después de lo cual se estableció en Milán.

Honrado y admirado por sus generosos patronos de Milán, Charles d'Amboise y el rey Luis XII, Leonardo disfrutaba de sus deberes, que se limitaban en gran parte al asesoramiento en asuntos arquitectónicos. Hay evidencia tangible de tal trabajo en los planes para una villa de palacio para Charles, y se cree que él hizo algunos bocetos para un oratorio para la iglesia de Santa María alla Fontana, que Charles financió. Leonardo también miró en un viejo proyecto restablecido por el gobernador francés: el río de Adda que uniría Milano con el lago Como por el agua.

Durante este segundo período en Milán, Leonardo creó muy poco como pintor. Nuevamente Leonardo reunió a sus alumnos a su alrededor. De sus discípulos mayores, Bernardino de Conti y Salai estaban de nuevo en su estudio; llegaron nuevos estudiantes, entre ellos Cesare da Sesto, Giampetrino, Bernardino Luini y el joven noble Francesco Melzi, el más fiel amigo y compañero de Leonardo hasta la muerte del artista.

Una comisión importante vino el camino de Leonardo durante este tiempo. Gian Giacomo Trivulzio había regresado victoriosamente a Milán como mariscal del ejército francés y como un enemigo amargo de Ludovico Sforza. Comisionó a Leonardo a esculpir su tumba, que debía tomar la forma de una estatua ecuestre y ser colocada en la capilla mortuoria donada por Trivulzio a la iglesia de San Nazaro Maggiore. Después de años de trabajos preparatorios sobre el monumento, para los cuales han sobrevivido una serie de esbozos significativos, el propio mariscal renunció al plan en favor de uno más modesto. Este fue el segundo proyecto abortado que Leonardo enfrentó como escultor.

La actividad científica de Leonardo floreció durante este período. Sus estudios en anatomía alcanzaron una nueva dimensión en su colaboración con Marcantonio della Torre, un famoso anatomista de Pavía. Leonardo esbozó un plan para un trabajo global que incluiría no sólo reproducciones exactas y detalladas del cuerpo humano y sus órganos, sino que también incluiría la anatomía comparada y todo el campo de la fisiología. Incluso planeó terminar su manuscrito anatómico en el invierno de 1510-11. Más allá de eso, sus manuscritos están repletos de estudios matemáticos, ópticos, mecánicos, geológicos y botánicos. Estas investigaciones fueron cada vez más impulsadas por una idea central: la convicción de que la fuerza y ​​el movimiento como funciones mecánicas básicas producen todas las formas exteriores en la naturaleza orgánica e inorgánica y les dan forma. Además, creía que estas fuerzas de funcionamiento funcionaban de acuerdo con leyes ordenadas y armoniosas.

Últimos años (1513-19)


En 1513, los acontecimientos políticos -la expulsión temporal de los franceses de Milán- hicieron que Leonardo, ahora de 60 años, se mudara de nuevo. A finales de año, fue a Roma, acompañado por sus alumnos Melzi y Salai, así como por dos ayudantes de estudio, con la esperanza de encontrar empleo allí a través de su patrón Giuliano de 'Medici, hermano del nuevo papa, León X. Giuliano le dio una suite de habitaciones en su residencia, el Belvedere, en el Vaticano. También le dio a Leonardo un estipendio mensual considerable, pero no siguieron grandes comisiones. Durante tres años Leonardo permaneció en Roma en un momento de gran actividad artística: Donato Bramante estaba construyendo San Pedro, Raphael estaba pintando las últimas habitaciones de los nuevos apartamentos del Papa, Miguel Ángel luchaba por completar la tumba del Papa Julio II, y muchos más jóvenes artistas, como Timoteo Viti y Sodoma, también estaban activos. Borradores de cartas amargas traicionan la decepción del maestro envejecido, que mantuvo un perfil bajo mientras trabajaba en su estudio de estudios matemáticos y experimentos técnicos o examinaba monumentos antiguos mientras paseaba por la ciudad. Leonardo parece haber pasado tiempo con Bramante, pero este último murió en 1514, y no hay registro de las relaciones de Leonardo con otros artistas en Roma. Un mapa magníficamente ejecutado de los Pantanos Pontinos sugiere que Leonardo fue al menos un consultor para un proyecto de recuperación que Giuliano de Medici ordenó en 1514. También hizo bocetos para una espaciosa residencia que se construiría en Florencia para los Medici, que habían regresado a poder allí en 1512. Sin embargo, la estructura nunca fue construida.

Tal vez ahogado por esta escena, a la edad de 65 años Leonardo aceptó la invitación del joven rey Francisco I para entrar en su servicio en Francia. A finales de 1516 abandonó Italia para siempre, junto con Melzi, su discípulo más devoto. Leonardo pasó los últimos tres años de su vida en la pequeña residencia de Cloux (más tarde llamada Clos-Lucé), cerca del palacio de verano del rey en Amboise, en el Loira. Orgullosamente llevaba el título de Primer ministro, arquitecto y méchanicien du Roi ("Primer pintor, arquitecto e ingeniero del Rey"). Leonardo todavía hacía bocetos para las fiestas de la corte, pero el rey lo trataba en todos los aspectos como un invitado de honor y le permitía la libertad de acción. Décadas más tarde, Francisco I habló con el escultor Benvenuto Cellini sobre Leonardo en términos de la máxima admiración y estima. Para el rey, Leonardo elaboró ​​planes para el palacio y jardín de Romorantin, que estaba destinado a ser la residencia de la viuda de la reina madre. Pero el proyecto cuidadosamente elaborado, combinando las mejores características de las tradiciones italiano-francesas en la arquitectura del palacio y el paisaje, tuvo que ser detenido porque la región estaba amenazada de malaria.

Leonardo hacía poca pintura mientras estaba en Francia, dedicando la mayor parte de su tiempo a arreglar y editar sus estudios científicos, su tratado de pintura y algunas páginas de su tratado de anatomía. En las llamadas Visiones del Fin del Mundo, o Diluvio, serie (1514-15), describió con una imaginación abrumadora las fuerzas primitivas que gobiernan la naturaleza, y quizá también traicionando su creciente pesimismo. Leonardo murió en Cloux y fue enterrado en la iglesia de palacio de Saint-Florentin. La iglesia fue devastada durante la Revolución Francesa y completamente destruida a principios del siglo XIX; su tumba ya no puede localizarse. Melzi fue heredero de la propiedad artística y científica de Leonardo.

Arte y realización


Pintando y dibujando


La producción total de Leonardo en pintura es bastante pequeña; sólo 17 de las pinturas que han sobrevivido puede atribuirse definitivamente a él, y varios de ellos son inacabados. Dos de sus obras más importantes -la Batalla de Anghiari y la Leda, ninguna de ellas completada- han sobrevivido sólo en copias. Sin embargo, estas pocas creaciones han establecido la fama única de un hombre que Giorgio Vasari, en su seminal Vidas de los arquitectos italianos más eminentes, pintores y escultores (1550, 2da ed., 1568), descrito como el fundador del alto renacimiento. Las obras de Leonardo, no afectadas por las vicisitudes de las doctrinas estéticas en siglos posteriores, se han destacado en todos los períodos posteriores y en todos los países como obras maestras consumadas de la pintura.

Los muchos testimonios de Leonardo, que van desde Vasari hasta Peter Paul Rubens, de Johann Wolfgang von Goethe a Eugène Delacroix, alaban en particular el don del artista por la expresión -su habilidad para trascender la técnica y la narrativa para transmitir un sentido de emoción subyacente. El notable talento del artista, especialmente su agudeza de observación e imaginación creativa, ya se reveló en el ángel que contribuyó al Bautismo de Cristo de Verrocchio (1472-75): Leonardo dotó al ángel de movimiento natural, le presentó un comportamiento relajado, y le dio una mirada enigmática que reconoce su entorno mientras permanecía dirigido hacia dentro. En el segmento de paisaje de Leonardo en la misma imagen, también encontró una nueva expresión de lo que llamó "la naturaleza experimentada": reprodujo las formas de fondo de una manera nebulosa como si a través de un velo de niebla.

En la Virgen de Benois (1475-78), Leonardo consiguió dar a un tipo tradicional de imagen un nuevo humor inusualmente encantador y expresivo al mostrar al niño Jesús, de una manera dulce y tierna, la flor en la mano de María. En su Retrato de Ginevra de 'Benci (hacia 1480) Leonardo abrió nuevos caminos para la pintura de retratos con su singular vinculación de cercanía y distancia y su brillante representación de luz y textura. Presentó el cuerpo demacrado de su San Jerónimo (inacabado, iniciado en 1480) en una luz sobria, imbuiéndolo con un realismo que provenía de su profundo conocimiento de la anatomía; La maestría de Leonardo en el gesto y la expresión facial le dieron a Jerónimo una expresión inigualable de tristeza transfigurada.

La interacción de la técnica magistral y el gesto afectivo -el "movimiento físico y espiritual" -en palabras de Leonardo- es también la principal preocupación de su primera gran creación que contiene muchas figuras, La Adoración de los Reyes Magos (iniciada en 1481). Nunca terminado, la pintura, sin embargo, ofrece una rica visión de los métodos sutiles del maestro. Los diversos aspectos de la escena se construyen a partir de la base con muy delicado, papel-finas capas de pintura en sfumato (la transición suave de la luz a la sombra) de socorro. El tratamiento principal del grupo de la Virgen y el Niño y el tratamiento secundario de los grupos circundantes están claramente separados con un sentido magistral de la composición: la pirámide de la Virgen María y los Magos está demarcada del arco de los seguidores adoradores. Sin embargo, temáticamente están estrechamente interconectados: el porte y la expresión de las figuras -las más sorprendentes en el grupo de los pastores de oración- representan muchos niveles de profundo asombro.

Estudio de perspectiva lineal para La Adoración de los Reyes Magos

Estudio de perspectiva lineal para La Adoración de los Reyes Magos, punta de plata, pluma y bistre realzado con blanco sobre terreno preparado por Leonardo da Vinci, c. 1481; en los Uffizi, Florencia.

La Virgen de las Rocas en su primera versión (1483-86) es la obra que revela la pintura de Leonardo en su estado más puro. Representa la leyenda apócrifa de la reunión en el desierto entre el joven Juan el Bautista y Jesús volviendo a casa de Egipto. El secreto del efecto del cuadro radica en el uso de Leonardo de todos los medios a su disposición para enfatizar la naturaleza visionaria de la escena: los suaves tonos de color (a través del sfumato), la débil luz de la cueva de la que emergen las figuras bañadas de luz, la actitud silenciosa, el gesto significativo con el que el ángel (la única figura que se enfrenta al espectador) apunta a Juan como el intercesor entre el Hijo de Dios y la humanidad -todo esto combina, de forma modelada y formal, crear un movimiento y altamente expresivo obra de arte.

Virgen de las Rocas

La Virgen de las Rocas, pintura al óleo de Leonardo da Vinci, 1483-86; en el Louvre, París.

La última cena

La Última Cena de Leonardo (1495-98) es una de las pinturas más famosas del mundo. En su simplicidad monumental, la composición de la escena es magistral; el poder de su efecto proviene del sorprendente contraste en las actitudes de los 12 discípulos como contrapuestos a Cristo. Leonardo retrató un momento de gran tensión cuando, rodeado de los Apóstoles que comparten la Pascua, Jesús dice: "Uno de ustedes me traicionará". Todos los Apóstoles -como seres humanos que no entienden lo que está a punto de ocurrir- están agitados, mientras que Cristo solo, consciente de su misión divina, se sienta en serenidad solitaria, transfigurada. Sólo otro ser comparte el conocimiento secreto: Judas, que es parte y está excluido del movimiento de sus compañeros. En este aislamiento se convierte en la segunda figura solitaria -el culpable- de la compañía.

última cena

La última cena, fresco de Leonardo da Vinci, 1495-98; en Santa Maria delle Grazie, Milán (in situ; prerestoration).

En la concepción profunda de su tema, en el perfecto pero aparentemente simple arreglo de los individuos, en los temperamentos de los Apóstoles destacados por el gesto, las expresiones faciales y las posturas, en el drama y al mismo tiempo la sublimidad del tratamiento, Leonardo alcanzó una altura de expresión que ha seguido siendo un modelo de este tipo. Numerosos pintores de generaciones venideras, entre ellos grandes maestros como Rubens y Rembrandt, se maravillaron de la composición de Leonardo y fueron influenciados por ella y por la calidad narrativa de la pintura. El trabajo inspiró también algunas de las mejores páginas de prosa descriptiva de Goethe. Ha sido ampliamente conocido a través de innumerables reproducciones y grabados, siendo el más importante el producido por Raffaello Morghen en 1800. Así, La Última Cena se ha convertido en parte de la herencia común de la humanidad y sigue siendo hoy una de las pinturas más destacadas del mundo.

Las deficiencias técnicas en la ejecución de la obra no han disminuido su fama. Leonardo no estaba seguro de la técnica que debía usar. Pasó por alto la pintura al fresco tradicional, que, por ser ejecutada sobre yeso fresco, exige una pintura rápida e ininterrumpida, a favor de otra técnica que había desarrollado: el temple sobre una base, que se mezcló en el muro de piedra. Este procedimiento resultó infructuoso, en la medida en que la base pronto comenzó a aflojarse de la pared. Los daños aparecieron a principios del siglo XVI, y pronto se produjo el deterioro. A mediados del siglo, la obra se llamaba una ruina. Más tarde, intentos inadecuados de restauración sólo agravaron la situación, y no hasta que las técnicas de restauración más modernas se aplicaron después de la Segunda Guerra Mundial fue detenido el proceso de decaimiento. Una gran campaña de restauración iniciada en 1980 y terminada en 1999 restauró el trabajo a la brillantez, pero también reveló que muy poco de la pintura original permanece.

Arte y ciencia: los cuadernos


En los años entre 1490 y 1495, comenzó el gran programa de Leonardo el escritor (autor de tratados). Durante este período, su interés en dos campos -el artístico y el científico- desarrolló y moldeó su trabajo futuro, construyendo hacia una especie de dualismo creativo que despertó su inventiva en ambos campos. Gradualmente dio forma a cuatro temas principales que iban a ocuparle para el resto de su vida: un tratado sobre la pintura, un tratado sobre la arquitectura, un libro sobre los elementos de la mecánica y un amplio trabajo sobre la anatomía humana. Sus investigaciones geofísicas, botánicas, hidrológicas y aerológicas también comenzaron en este período y constituyen partes de la "cosmología visible" que se alzaba ante él como un objetivo distante. Despreciaba el conocimiento especulativo de los libros, favoreciendo los hechos irrefutables obtenidos de la experiencia, desde saper vedere.

Leon Battista Alberti y Piero della Francesca ya habían ofrecido pruebas de la base matemática de la pintura en su análisis de las leyes de la perspectiva y la proporción, reforzando así su afirmación de la pintura es una ciencia. Pero las pretensiones de Leonardo iban mucho más allá: creía que el pintor, doblemente dotado de poderes sutiles de percepción y la completa habilidad de pictorizarlos, era la persona mejor calificada para lograr el verdadero conocimiento, ya que podía observar de cerca y luego reproducir cuidadosamente el mundo alrededor él. Por lo tanto, Leonardo concibió el asombroso plan de observar todos los objetos en el mundo visible, reconociendo su forma y estructura, y describiéndolos pictóricamente tal como son.

Fue durante sus primeros años en Milán que Leonardo comenzó el más temprano de sus cuadernos. Primero hacía rápidos esbozos de sus observaciones sobre sábanas sueltas o sobre papelitos pequeños que guardaba en su cinturón; luego los arreglaría según el tema y los pondría en orden en el cuaderno. Sobrevive en cuadernos de toda su carrera una primera colección de material para un tratado de pintura, un libro modelo de bocetos para la arquitectura sagrada y profana, un tratado sobre la teoría elemental de la mecánica y las primeras secciones de un tratado sobre el cuerpo humano.

Los cuadernos de Leonardo se suman a miles de páginas íntimamente escritas y abundantemente ilustradas con bocetos-el legado literario más voluminoso que un pintor haya dejado atrás. De más de 40 códices mencionados -a veces incorrectamente- en fuentes contemporáneas, 21 han sobrevivido; éstos a su vez a veces contienen cuadernos originalmente separados pero ahora enlazados para que 32 en todos se hayan conservado. A estos se deben añadir varios grandes paquetes de documentos: un volumen omnibus en la Biblioteca Ambrosiana de Milán, llamado Codex Atlanticus debido a su tamaño, fue recogido por el escultor Pompeo Leoni a finales del siglo XVI; después de un viaje de la rotonda, su volumen del compañero cayó en la posesión de la corona inglesa en el siglo XVII y fue puesto en la biblioteca real en el castillo de Windsor. Por último, el manuscrito de Arundel en el Museo Británico de Londres contiene una serie de fascículos de Leonardo sobre diversos temas.

Una característica especial que hace que las notas y dibujos de Leonardo sean inusuales es su uso de la escritura en espejo. Leonardo era zurdo, por lo que la escritura en el espejo le vino fácil y naturalmente a él, aunque no está seguro por qué eligió hacerlo. Aunque algo inusual, su escritura puede ser leída con claridad y sin dificultad con la ayuda de un espejo -como testificaron sus contemporáneos- y no debe considerarse como una escritura secreta. Pero el hecho de que Leonardo usara la escritura de espejos en los cuadernos, incluso en sus ejemplares elaborados con minuciosa caligrafía, obliga a concluir que, aunque constantemente se dirigía a un lector imaginario en sus escritos, nunca sintió la necesidad de lograr una comunicación fácil usando escritura convencional. Sus escritos deben ser interpretados como etapas preliminares de las obras destinadas a la publicación eventual que Leonardo nunca llegó a completar. En una oración al margen de uno de sus últimos dibujos de anatomía, implora a sus seguidores que vean que sus obras están impresas.

Otra característica inusual en los escritos de Leonardo es la relación entre la palabra y la imagen en los cuadernos. Leonardo se esforzó apasionadamente por un lenguaje claro pero expresivo. La vivacidad y la riqueza de su vocabulario fueron el resultado de intensos estudios independientes y representaron una contribución significativa a la evolución de la prosa científica en la lengua vernácula italiana. A pesar de su articulación, Leonardo dio precedencia absoluta a la ilustración sobre la palabra escrita en su método de enseñanza. Por lo tanto, en sus cuadernos, el dibujo no ilustra el texto; más bien, el texto sirve para explicar el cuadro. Al formular su propio principio de representaciones gráficas -que él llamó dimostrazione ("demostraciones") - el trabajo de Leonardo fue un precursor de la ilustración científica moderna.

La Mona Lisa y otras obras
En los años de Florencia entre 1500 y 1506, Leonardo inició tres grandes obras que confirmaron y elevaron su fama: Virgen con el Niño con Santa Ana (1502-16), Mona Lisa (1503-19) y la Batalla de Anghiari (inacabado, iniciado en 1503). Incluso antes de que se completara, la Virgen con el Niño con Santa Ana ganó la aclamación crítica de los florentinos; la calidad monumental y tridimensional del grupo y los efectos calculados de dinamismo y tensión en la composición lo convirtieron en un modelo que inspiró a los clasicistas ya los manieristas en igual medida.

Virgen y niño con St. Anne

Virgen y niño con St. Anne, aceite en el panel de madera de Leonardo da Vinci, c. 1502-16. En el Louvre, París.

La Mona Lisa estableció el estándar para todos los retratos futuros. La pintura presenta a una mujer revelada en el siglo XXI como Lisa del Giocondo, la esposa del comerciante florentino Francesco del Giocondo, de ahí el título alternativo a la obra La Gioconda. La imagen presenta un retrato de medio cuerpo del sujeto, con un paisaje lejano visible como telón de fondo. Aunque utilizando una fórmula aparentemente simple para el retrato, la síntesis expresiva que Leonardo logró entre el retrato y el paisaje ha colocado este trabajo en el canon de las pinturas más populares y más analizadas de todos los tiempos. Las curvas sensuales del cabello y la ropa de la mujer, creadas a través del sfumato, se repiten en los ondulantes valles y ríos detrás de ella. El sentido de la armonía general alcanzada en la pintura -particularmente evidente en la débil sonrisa de la niñera- refleja la idea de Leonardo de la conexión cósmica que une a la humanidad y la naturaleza, haciendo de esta pintura un registro perdurable de la visión y el genio de Leonardo. El joven Raphael esbozó el trabajo en curso, y sirvió de modelo para su Retrato de Maddalena Doni (c.1506).

Mona Lisa

Mona Lisa, aceite en el panel de madera de Leonardo da Vinci, c. 1503-06; en el Louvre, París.

El arte de la expresión de Leonardo alcanzó otro punto culminante en la inacabada Batalla de Anghiari. Los dibujos preliminares -muchos de los cuales han sido conservados- revelan la elevada concepción de Leonardo de la "ciencia de la pintura"; él puso a uso artístico las leyes del equilibrio que él había probado en sus estudios de la mecánica. El "centro de gravedad" de la obra está en el grupo de banderas que luchan todos los jinetes. Por un momento el intenso y expansivo movimiento del remolino de los jinetes parece congelado. Los estudios de Leonardo en anatomía y fisiología influyeron en su representación de cuerpos humanos y animales, particularmente cuando están en un estado de excitación. Estudió y describió ampliamente el desnudo de los dientes y el hinchazón de los labios como signos de ira animal y humana. En el lienzo pintado, el jinete y el caballo, sus rasgos distorsionados, son notablemente similares en la expresión.

Los aparatos altamente imaginativos de la pintura sacan el acontecimiento de la esfera de lo histórico y lo ponen en un reino intemporal. La caricatura y las copias que muestran la escena principal de la batalla fueron durante mucho tiempo influyentes para otros artistas; su composición ha influido en muchos pintores: de Rubens en el siglo XVII, que hizo la copia más impresionante de la escena de la caricatura ahora perdida de Leonardo, a Delacroix en el siglo 19.

Pintura y dibujo posteriores

Después de 1507 -en Milán, Roma y Francia- Leonardo hizo muy poca pintura. Durante sus años en Milán volvió al tema de Leda -que lo había ocupado durante una década- y probablemente terminó una versión permanente de Leda hacia 1513 (la obra sólo sobrevive a través de copias). Esta pintura se convirtió en un modelo de la figura serpentinata ("figura sinuosa"), es decir, una figura construida a partir de varios puntos de vista entrelazados. Influyó en artistas clásicos como Raphael, que lo dibujó, pero tuvo un efecto igualmente fuerte en los manieristas como Jacopo da Pontormo. Los dibujos que él preparó, revelando ejemplos de su estilo tardío, tienen una curiosa y enigmática sensualidad. Tal vez en Roma comenzó la pintura de San Juan Bautista, que completó en Francia. Leonardo utilizó la luz y la sombra de forma radical para lograr un volumen y una atmósfera esculturales; Juan emerge de la oscuridad a la luz y parece emanar luz y bondad. Además, al pintar la enigmática sonrisa del santo, presentó al precursor de Cristo como el heraldo de un oráculo místico. Leonardo era un arte de expresión que parecía esforzarse conscientemente para sacar a la luz la ambigüedad oculta del tema. Los dibujos consumados de este período, como la señora apuntadora (c.1516), son también testamentos a su genio no disminuido.

La última manifestación del arte de expresión de Leonardo fue en su serie de bocetos pictóricos Visiones del fin del mundo (c.1514-15). Allí el poder de imaginación de Leonardo, nacido de la razón y la fantasía, alcanzó su nivel más alto. Leonardo sugirió que las fuerzas inmateriales en el cosmos, invisibles en sí mismas, aparecen en las cosas materiales que pusieron en movimiento. Lo que había observado en el remolino de agua y remolinos de aire, en la forma de una roca de montaña y en el crecimiento de las plantas, ahora asume forma gigantesca en formaciones de nubes y tormentas. Él describió el marco del mundo como separación, pero incluso en su destrucción ocurre -como muestran las monstruosamente "bellas" formas de los elementos desencadenados- las mismas leyes de orden, armonía y proporción que presidían la creación del mundo . Estas reglas gobiernan la vida y la muerte de cada cosa creada en la naturaleza. Sin ninguna precedente, estas "visiones" son las últimas y más originales expresiones del arte de Leonardo -un arte en el que su percepción basada en saper vedere parece haber llegado a buen término.

Escultura


Leonardo trabajó como escultor desde su juventud, como lo demuestran sus propias declaraciones y las de otras fuentes. Un pequeño grupo de cabezas de mármol y yeso de los generales, obras de los seguidores de Verrocchio, están a veces vinculadas con Leonardo, porque un dibujo encantador que se le atribuye sobre el mismo tema sugiere tal conexión. Pero la calidad inferior de este grupo de escultura descarta una atribución al maestro. No queda rastro de las cabezas de mujeres y niños que, según Vasari, Leonardo modeló en arcilla en su juventud.

Los dos grandes proyectos escultóricos a los que Leonardo se dedicó de todo corazón no se dieron cuenta; ni la inmensa estatua ecuestre de bronce de Francesco Sforza, sobre la que trabajó desde 1489 hasta 1494, ni el monumento del mariscal Trivulzio, en el que estuvo ocupado entre los años 1506-11, se llevaron a cabo. Existen muchos esbozos de la obra, pero los más impresionantes fueron encontrados en 1965 cuando dos de los cuadernos de Leonardo -los llamados códices de Madrid- fueron descubiertos en la Biblioteca Nacional de Madrid. Estos cuadernos revelan la sublimidad, pero también la osadía casi irreal de su concepción. El texto y los dibujos muestran la amplia experiencia de Leonardo en la técnica de fundición de bronce, pero al mismo tiempo revelan la naturaleza casi utópica del proyecto. Quería echar el caballo en una sola pieza, pero las dimensiones gigantescas del corcel presentaban problemas técnicos insuperables. De hecho, Leonardo permanecía inseguro de la solución del problema hasta el final.

Los dibujos de estos dos monumentos revelan la grandeza de la visión de la escultura de Leonardo. Los estudios exactos de la anatomía, el movimiento y las proporciones de un caballo vivo precedieron a los bocetos de los monumentos; Leonardo parece haber pensado en escribir un tratado sobre el caballo. Ponderó los méritos de dos posiciones para el caballo-galopando o trotando- y en ambas comisiones decididas en favor de éste. Estos esbozos, superiores en la tensión suprimida del caballo y del jinete a los logros de la estatua de Donatello de Gattamelata y de la estatua de Colleoni de Verrocchio, están entre los ejemplos más hermosos y significativos del arte de Leonardo. Incuestionablemente, como ideas, ejercieron una influencia muy fuerte en el desarrollo de las estatuas ecuestres en el siglo XVI.

Una pequeña estatua de bronce de un jinete galopante en Budapest está tan cerca del estilo de Leonardo que, si no de su propia mano, debe haber sido hecha bajo su influencia inmediata (quizás por Giovanni Francesco Rustici). Rustici, según Vasari, era el estudiante celoso de Leonardo y gozó de la ayuda de su maestro en la escultura de su gran grupo de bronce, San Juan Bautista de la Enseñanza, sobre la puerta norte del Baptisterio en Florencia. Hay, de hecho, rastros discernibles de la influencia de Leonardo en la postura de Juan, con el gesto inusual de su mano apuntando hacia arriba, y en la figura del caballero calvo. Si bien existen pocos ejemplos para estudiar el trabajo escultórico de Leonardo, los elementos de movimiento y volumen que exploró en el medio influyeron sin duda en su dibujo y pintura, y viceversa.

Arquitectura


Solicitando el servicio en una carta a Ludovico Sforza, Leonardo se describió como arquitecto experimentado, ingeniero militar e ingeniero hidráulico; de hecho, él se preocupó con asuntos arquitectónicos toda su vida. Pero su eficacia se limitaba esencialmente al papel de un asesor. Sólo una vez, en la competencia por la cúpula de la catedral de Milán (1487-90), pensó en la participación personal, pero renunció a esta idea cuando le fue devuelto el modelo que había presentado. En otros casos, su pretensión de ser un arquitecto practicante se basaba en bocetos para edificios seculares representativos: para el palacio de un noble milanés (alrededor de 1490), para la villa del gobernador francés en Milán (1507-08) y para el Residencia Medici en Florencia (1515). Finalmente, hubo su gran proyecto para el palacio y jardín de Romorantin en Francia (1517-19). Especialmente en este último proyecto, los dibujos a lápiz de Leonardo revelan claramente su dominio de los problemas arquitectónicos tanto técnicos como artísticos; la visión en perspectiva da una idea de la magnificencia del sitio.

Pero lo que realmente caracteriza e inmortaliza los estudios arquitectónicos de Leonardo es su amplitud; se extienden lejos y abarcan cada tipo de problema de construcción de su tiempo e incluso implican planificación urbana. Además, con frecuencia aparece evidencia del impulso de Leonardo para enseñar: quería recoger sus escritos sobre este tema en una teoría de la arquitectura. Este tratado de arquitectura-cuyas líneas iniciales se encuentran en el Codex B del Institut de France en París, un libro modelo de los tipos de edificios sagrados y profanos- era tratar todo el campo de la arquitectura así como las teorías de formas y construcciones, incluyendo elementos como urbanismo, edificios sagrados y profanos, y un compendio de elementos individuales importantes (por ejemplo, cúpulas, escalones, portales y ventanas).

En la plenitud y riqueza de sus ideas, los estudios arquitectónicos de Leonardo ofrecen una visión inusualmente amplia de los logros arquitectónicos de su época. Como un sismógrafo, sus observaciones registran sensitivamente todos los temas y problemas. Durante casi 20 años se asoció con Bramante en la corte de Milán y de nuevo lo encontró en Roma en 1513-14; se asoció estrechamente con otros distinguidos arquitectos, como Francesco di Giorgio, Giuliano da Sangallo, Giovanni Antonio Amadeo y Luca Fancelli. Por lo tanto, se puso en contacto más cercano con todas las empresas de construcción más importantes de la época. Dado que los dibujos arquitectónicos de Leonardo se extienden a lo largo de toda su vida, abarcan precisamente ese período crucial para el desarrollo -desde la década de 1480 hasta la segunda década del siglo XVI- en el que los principios del estilo del Alto Renacimiento fueron formulados y llegaron a la madurez. Que este proceso genético puede ser seguido en las ideas de uno de los hombres más grandes de la época da a los estudios de Leonardo su valor artístico distintivo y su importancia histórica excepcional.

Ciencia


Ciencia de la pintura

La defensa de Leonardo de una ciencia de la pintura se muestra mejor en sus escritos del cuaderno bajo el título general "en la pintura." Los cuadernos proporcionan la evidencia que, entre muchos proyectos él planeó, él pensó escribir un tratado que discute la pintura. Después de heredar el vasto legado manuscrito de Leonardo en 1519, se cree que, antes de 1542, Melzi extrajo pasajes de ellos y los organizó en el Trattato della pittura que se atribuye a Leonardo. Sólo cerca de la cuarta parte de las fuentes del manuscrito de Melzi -conocido como el Codex Urbinas en la Biblioteca Vaticana- han sido identificadas y localizadas en los cuadernos existentes y es imposible evaluar hasta qué punto la presentación de Melzi reflejó las intenciones específicas de Leonardo.

Copias abreviadas del manuscrito de Melzi aparecieron en Italia a finales del siglo XVI y en 1651 las primeras ediciones impresas fueron publicadas en francés e italiano en París por Raffaelo du Fresne, con ilustraciones de dibujos de Nicolas Poussin. La primera edición completa del texto de Melzi no apareció hasta 1817, publicada en Roma. Las dos ediciones modernas estándar son las de Emil Ludwig (1882, en 3 volúmenes con traducción al alemán) y A. Philip McMahon (1956, en 2 vol., Un facsímil del Codex Urbinas con traducción al inglés).

A pesar de las incertidumbres que rodean la presentación de Melzi de las ideas de Leonardo, los pasajes de los cuadernos existentes de Leonardo identificados con el título "Sobre la pintura" ofrecen una indicación del tratado Leonardo tenía en mente. Como era costumbre en los tratados de la época, Leonardo planeaba combinar la exposición teórica con información práctica, en este caso ofreciendo consejo práctico de carrera a otros artistas. Pero su principal preocupación en el tratado era argumentar que la pintura es una ciencia, elevando su condición de disciplina de las artes mecánicas a las artes liberales. Al definir la pintura como "el único imitador de todas las obras manifiestas de la naturaleza", Leonardo dio un significado esencial a la autoridad del ojo, creyendo firmemente en la importancia de saper vedere. Esta era la idea informadora detrás de su defensa de la pintura como ciencia.

En sus cuadernos Leonardo persigue esta defensa a través de la forma de la paragona ("comparación"), una disputa que avanza la supremacía de la pintura sobre las otras artes. Arraiga su caso en la función de los sentidos, afirmando que "el ojo se engaña menos que cualquiera de los otros sentidos", y por lo tanto sugiere que la observación directa inherente a la creación de una pintura tiene una calidad científica verídica. Después de afirmar que los resultados útiles de la ciencia son "comunicables", afirma que la pintura es igualmente clara: a diferencia de la poesía, argumenta, la pintura presenta sus resultados como una "materia para la facultad visual", dando "satisfacción inmediata a los seres humanos en ninguna Leonardo distingue también entre la pintura y la escultura, afirmando que el trabajo manual que implica la escultura desvía de sus aspectos intelectuales y que el desafío ilusionista de la pintura (que trabaja en dos y no en tres dimensiones) requiere que el pintor posee una mejor comprensión de los principios matemáticos y ópticos que el escultor.

Al definir la pintura como ciencia, Leonardo también enfatiza su base matemática. En los cuadernos explica que las 10 funciones ópticas del ojo ("oscuridad, luz, cuerpo y color, forma y ubicación, distancia y cercanía, movimiento y descanso") son componentes esenciales de la pintura. Él aborda estas funciones a través de discursos detallados sobre la perspectiva que incluyen explicaciones de los sistemas perspectivales basados ​​en la geometría, la proporción y la modulación de la luz y la sombra. Se diferencia entre los tipos de perspectiva, incluyendo la forma convencional basada en un único punto de fuga, el uso de múltiples puntos de fuga y la perspectiva aérea. Además de estos sistemas ortodoxos, explora -a través de palabras y dibujos geométricos y analíticos- los conceptos de visión de gran angular, recesión lateral y perspectiva atmosférica, a través de los cuales se utiliza el destello de la claridad y el progresivo aligeramiento del tono para crear la ilusión de una profunda recesión espacial. Además, ofrece consejos prácticos -de nuevo a través de palabras y bocetos- sobre cómo pintar efectos ópticos como la luz, la sombra, la distancia, la atmósfera, el humo y el agua, así como la forma de representar aspectos de la anatomía humana, como la proporción humana y facial expresiones.

Estudios y dibujos anatómicos

La fascinación de Leonardo por los estudios anatómicos revela un interés artístico imperante en la época. En su propio tratado Della pittura (1435, "Sobre la pintura"), el teórico León Battista Alberti instó a los pintores a construir la figura humana tal como existe en la naturaleza, sostenida por el esqueleto y la musculatura, y sólo entonces vestida de piel. Aunque no se conoce la fecha de la participación inicial de Leonardo en el estudio anatómico, es lógico especular que su interés anatómico se manifestó durante su aprendizaje en el taller de Verrocchio, ya sea en respuesta al interés de su amo o al vecino de Verrocchio, Pollaiuolo, por su fascinación por el funcionamiento del cuerpo humano. No se puede determinar exactamente cuándo Leonardo comenzó a realizar disecciones, pero podría haber sido varios años después de su primer traslado a Milán, en ese momento un centro de investigación médica. Su estudio de la anatomía, perseguido originalmente para su entrenamiento como artista, había crecido por el 1490s en un área independiente de la investigación. A medida que su agudo ojo descubrió la estructura del cuerpo humano, Leonardo se fascinó con la figura instrumental dell 'omo ("figura instrumental del hombre"), y trató de comprender su trabajo físico como una creación de la naturaleza. Durante las dos décadas siguientes, realizó un trabajo práctico de anatomía en la mesa de disección de Milán, luego en los hospitales de Florencia y Roma, y ​​en Pavía, donde colaboró ​​con el médico anatomista Marcantonio della Torre. Con su propio recuento Leonardo diseccionó 30 cadáveres en su vida.

Feto humano, estudios de lápiz y tinta de Leonardo da Vinci, c. 1510

Feto humano, estudios de lápiz y tinta de Leonardo da Vinci, c. 1510.

Los primeros estudios anatómicos de Leonardo se referían principalmente al esqueleto ya los músculos; pero aun al principio Leonardo combinó la investigación anatómica con la fisiológica. De observar la estructura estática del cuerpo, Leonardo procedió a estudiar el papel de las partes individuales del cuerpo en la actividad mecánica. Esto lo llevó finalmente al estudio de los órganos internos; entre ellos, profundizó profundamente en el cerebro, el corazón y los pulmones como "motores" de los sentidos y de la vida. Sus descubrimientos de estos estudios se registraron en los famosos dibujos anatómicos, que se encuentran entre los logros más significativos de la ciencia del Renacimiento. Los dibujos se basan en una conexión entre la representación natural y la abstracta; representaba partes del cuerpo en capas transparentes que permitían una "penetración" en el órgano usando secciones en perspectiva, reproduciendo los músculos como "cuerdas", indicando partes ocultas por líneas punteadas, e ideando un sistema de eclosión. El valor genuino de estos dimostrazione reside en su capacidad para sintetizar una multiplicidad de experiencias individuales en la mesa de disección y hacer los datos inmediatamente y con precisión visible; como Leonardo enfatizó con orgullo, estos dibujos eran superiores a las palabras descriptivas. La riqueza de los estudios anatómicos de Leonardo que han sobrevivido forjó los principios básicos de la ilustración científica moderna. Sin embargo, vale la pena señalar que durante su vida, las investigaciones médicas de Leonardo siguieron siendo privadas. No se consideraba un profesional en el campo de la anatomía, y ni enseñaba ni publicaba sus descubrimientos.

Estudio de un hombre desnudo, dibujo sepia de Leonardo da Vinci;

Estudio de un hombre desnudo, dibujo sepia de Leonardo da Vinci; en la Biblioteca Ambrosiana de Milán.

Aunque conservó sus estudios anatómicos, Leonardo publicó algunas de sus observaciones sobre la proporción humana. Trabajando con el matemático Luca Pacioli, Leonardo consideró las teorías proporcionales de Vitruvio, el arquitecto romano del siglo I aC, como se presenta en su tratado De architectura. Imponiendo los principios de la geometría en la configuración del cuerpo humano, Leonardo demostró que la proporción ideal de la figura humana corresponde con las formas del círculo y del cuadrado. En su ilustración de esta teoría, el llamado Hombre de Vitruvio, Leonardo demostró que cuando un hombre coloca sus pies firmemente en el suelo y extiende sus brazos, puede ser contenido dentro de las cuatro líneas de un cuadrado, pero cuando está en una extensión - posición del águila, él puede ser inscrito en un círculo.

Hombre de Vitruvio

Hombre de Vitruvio, un estudio de la figura de Leonardo da Vinci (C. 1509).

Leonardo contempló la gran imagen del cuerpo humano que había producido a través de sus dibujos anatómicos y el hombre de Vitruvio como una cosmografía del menor mondo. Creía que el funcionamiento del cuerpo humano era una analogía, en el microcosmos, para el funcionamiento del universo. Leonardo escribió: "El hombre ha sido llamado por los antiguos un mundo menor, y de hecho el nombre está bien aplicado; porque, como el hombre está compuesto de tierra, agua, aire y fuego ... este cuerpo de la tierra es similar. "Comparó el esqueleto humano con las rocas (" soportes de la tierra ") y la expansión de los pulmones en la respiración a la flujo y reflujo de los océanos.

Mecánica y cosmología

Según las observaciones de Leonardo, el estudio de la mecánica, con el que se familiarizó bastante como arquitecto e ingeniero, también reflejaba el funcionamiento de la naturaleza. A lo largo de su vida Leonardo fue un constructor inventivo; comprendió a fondo los principios de la mecánica de su tiempo y contribuyó de muchas maneras a avanzarlos. Los dos cuadernos de Madrid tratan extensamente con su teoría de la mecánica; la primera fue escrita en la década de 1490 y la segunda fue escrita entre 1503 y 1505. Su importancia residía menos en su descripción de máquinas o herramientas de trabajo específicas que en su uso de modelos de demostración para explicar los principios mecánicos básicos y las funciones empleadas en la construcción de maquinaria . Como en sus dibujos anatómicos, Leonardo desarrolló principios definidos de representación gráfica-estilización, patrones y diagramas- que ofrecen una demostración precisa del objeto en cuestión.

Leonardo también fue bastante activo como ingeniero militar, comenzando con su estancia en Milán. Pero no se puede aducir ningún ejemplo definitivo de su obra. Los cuadernos de Madrid revelaron que, en 1504, probablemente enviado por el consejo de gobierno de Florencia, se mantuvo al lado del señor de Piombino cuando se reparó el sistema de fortificaciones de la ciudad y sugirió un plan detallado para su revisión. Sus estudios para grandes proyectos de canales en la región de Arno y en Lombardía muestran que también era un experto en ingeniería hidráulica.

Leonardo estaba especialmente intrigado por problemas de fricción y resistencia, y con cada uno de los elementos mecánicos que presentaba -como roscas de tornillo, engranajes, gatos hidráulicos, dispositivos giratorios y engranajes de transmisión- los dibujos tenían precedencia sobre la palabra escrita. A lo largo de su carrera también se sintió intrigado por el potencial mecánico del movimiento. Esto lo llevó a diseñar una máquina con una transmisión diferencial, una fortaleza en movimiento que se asemeja a un tanque moderno, y una máquina voladora. Su «tornillo helicoidal helicoidal» (1487) casi parece un prototipo para el helicóptero moderno, pero, al igual que los otros vehículos diseñados por Leonardo, presenta un problema singular: carece de una fuente adecuada de energía para proporcionar propulsión y elevación.

Máquina de corte por tornillo de Leonardo da Vinci, c. 1500

Máquina de corte por tornillo de Leonardo da Vinci, c. 1500; en la Biblioteca del Instituto de Francia, París (MS B, folio 70 verso).

Donde Leonardo exploraba los fenómenos de la naturaleza, reconocía la existencia de fuerzas mecánicas primitivas que gobiernan la forma y la función del universo. Esto se aprecia en sus estudios sobre el vuelo de los pájaros, en los que tomó forma su idea juvenil de la viabilidad de un aparato volador y que llevó a una exhaustiva investigación del elemento aire; en sus estudios sobre el agua, la vetturale della natura, en la que se interesaba tanto por las propiedades físicas del agua como por sus leyes de movimiento y corrientes; en su investigación sobre las leyes de crecimiento de plantas y árboles, así como la estructura geológica de las formaciones de tierra y colinas; y, finalmente, en su observación de las corrientes de aire, que evocaba la imagen de la llama de una vela o la imagen de una nube de humo. En sus dibujos basados ​​en los numerosos experimentos que emprendió, Leonardo encontró una forma estilizada de representación que era exclusivamente suya, especialmente en sus estudios de remolinos. Logró descomponer un fenómeno en sus partes componentes -las huellas del agua o remolinos del remolino- y, al mismo tiempo, conservar el cuadro total, creando una visión analítica y una visión sintética.

planes de Leonardo da Vinci para un ornitóptero

Los planes de Leonardo da Vinci para un ornitóptero, una máquina voladora mantenida en lo alto por el batir de sus alas, c. 1490.

Leonardo como artista-científico


Al expirar el siglo XV, las doctrinas escolásticas estaban en declive, y la erudición humanista estaba en aumento. Leonardo, sin embargo, formaba parte de un círculo intelectual que desarrollaba una tercera forma de conocimiento, específicamente moderna. En su opinión, el artista, como transmisor de los datos verdaderos y exactos de la experiencia adquirida por la observación visual, desempeñó un papel importante. En una época que a menudo comparaba el proceso de la creación divina con la actividad de un artista, Leonardo invirtió la analogía, utilizando el arte como su propio medio para aproximar los misterios de la creación, afirmando que, a través de la ciencia de la pintura, "la mente de la el pintor se transforma en una copia de la mente divina, ya que opera libremente en la creación de muchos tipos de animales, plantas, frutas, paisajes, campiñas, ruinas y lugares imponentes ". Con este sentido de la alta vocación del artista, el vasto reino de la naturaleza para investigar sus secretos. Su idea utópica de transmitir en forma enciclopédica el conocimiento así ganado todavía estaba ligada con las concepciones escolásticas medievales; sin embargo, los resultados de su investigación estuvieron entre los primeros grandes logros del pensamiento de la próxima era, porque se basaron en un grado sin precedentes en el principio de la experiencia.

Finalmente, aunque hizo esfuerzos arduos para llegar a ser erudito en las lenguas, las ciencias naturales, las matemáticas, la filosofía y la historia, como una mera enumeración de los amplios contenidos de su biblioteca demuestra, Leonardo siguió siendo un empirista de la observación visual. Es precisamente a través de esta observación -y de su propio genio- que desarrolló una única "teoría del conocimiento" en la que el arte y la ciencia forman una síntesis. Frente a sus logros generales, por lo tanto, la pregunta de cuánto terminó o no terminó se vuelve inútil. El quid de la cuestión es su fuerza intelectual, contenida en sí misma e inherente a cada una de sus creaciones, una fuerza que sigue suscitando interés académico hoy en día. De hecho, el debate se ha desbordado en el ámbito personal de su vida -por ejemplo, su sexualidad, sus creencias religiosas e incluso el posible vegetarianismo, por ejemplo- que sólo confirma y refleja lo que ha sido obvio: si el sujeto es su vida, sus ideas , o su legado artístico, la influencia de Leonardo muestra poco signo de disminución.

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